画家#拯救心灵：梵高的自画像( 二 )

【画家#拯救心灵：梵高的自画像】“农民吃土豆的画像是我在纽南做得最好的事情。”我们在《吃土豆的人》中看到的是画家笔下饱含着热爱与尊重的身体姿态造型，以及为了突显出强烈情感而设置的光影对比——“明暗对照”是梵高对他的先辈伦勃朗最敬仰之处。当然，伦勃朗也“引领”着这位不爱照相的年轻人走上创作自画像的道路。
2.从伦勃朗那里接过棒来
1886年初春，这位乡村青年来到了巴黎——这是一座“现代之都”，一座熙熙攘攘、瞬息万变的城市。他的周遭不再是麦田和村舍，而是一个由艺术家和画廊构成的快节奏的世界，田园奏鸣曲变调为嘈杂和喧哗。
给自己画像自然是最省钱的，很快，他便用第一幅油彩自画像与这个世界接轨。这幅画名为《艺术家在画架前的自画像》，从题目上便可以看出伦勃朗《有画架的自画像》对于梵高的影响和启示。在《有画架的自画像》中，画家沧桑的面孔上目光如炬，光亮的额头、鼻尖，泛红的衣领和调色板，如炭火隐含着生命之火的热量，又透露着孤独的人生际遇。伦勃朗的这幅画表明，只有审视自己才能发现值得描绘的灵魂，心灵是激烈情感活动的场所，是灵魂的栖息地，一个好的肖像画家首先就要能够发现自己的灵魂并描绘出来。在伦勃朗的“指引”下，梵高在《艺术家在画架前的自画像》中也保留了背光的角度和深桃花心木色调，右脸颊、耳端和右领背微光薄泛，光线似乎比伦勃朗的那幅画还要暗，背景虚空，阴影变化相较更为柔和，目光是坚定而锐利有神的，就像是一个大师画室的学生一样，好奇而执着地看往前路。
梵高的巴黎之行是他的第一次自画像创作高峰。从1887年到1888年的那个寒冬，这位画家都在竭力完成另一幅《在画架前的自画像》。在这幅画中，墨绿色的眼眸将悲伤的意味掷于虚空，看上去近乎失明，他的身体似乎僵硬如雕塑，透露着孤独的永恒——他像是被美杜莎的目光定住了，但是，从更现实的层面讲，当时（1888年1月）梵高没钱取暖，所以这也是第一幅“冻着了的”自画像。直到2月份梵高才说自己的血液“多多少少开始再次流动起来”。《在画架前的自画像》是梵高在巴黎最后一个阶段的自画像作品，画家展示了他在法国首都巴黎两年间所获得的技能，尤其是他对颜色的运用（姜黄色头发与蓝色衣服形成对比），创造性的笔触，以五彩缤纷的调色板为代表的色彩实验，无不体现出画家的创造力。
3.从创伤自愈到东方元素
这次展览的一幅核心作品在西方可谓家喻户晓，那便是《包扎着耳朵的自画像》。“割耳事件”发生不到一个月后，梵高便重拾画笔，画了好几幅自画像。这些画作是他心灵自我修复能力的真实记录，画中他的表情显得平心静气，看起来他已经和绝望的状态和解了。但是，他并没有回避自己的创伤，而是勇敢地画出了绷带，尽管它并不怎么突兀。他身着绿色上衣，双唇紧闭，以“3/4正面”的角度面向斜前方，虽然面容憔悴，但是画家在鼻子、额头、下巴和脸颊上采用了大量亮色，使脸色精神了些。梵高正努力让自己显得正常，正在重返工作状态。
这幅自画像中惹人注意的还在其背景——梵高的工作室。他的背后放着空白的画架，白色墙壁上挂着一幅日本浮世绘，画中的远景是富士山，背景是艺伎。东方艺术曾给印象派带来很大的启发，而梵高也对浮世绘非常熟悉。他喜欢用对比色或同类色，所以这幅浮世绘也显得比通常的更为鲜艳，这不正是他在色彩背后隐藏着的令人感动的情绪吗？
东方的元素还体现在一幅1888年的《献给高更的自画像》中。画中梵高剃着光头，随意穿着茶色上衣，消瘦的面孔上眼睛略微上扬，眼睛画得比实际纤细，明亮的背景与灰色调的面部形成对比，目光凝视远方，仿佛寄许于未来。“我把这幅肖像画塑成信仰永恒佛陀的僧侣形象。”我们不禁会想到，东方文化的淡然若水是否成了梵高心灵自愈的寄托和艺术重整的灵感来源？