艺术|美轮美奂的戏曲行头，何以浸润中国特有的审美文化( 三 ) 传统文化|戏曲|水袖|行头

遵循伶界旧俗，艺人甚至对于某些角色的行头存有敬畏之心。例如：关羽在民间被视为武圣，具有神话色彩。因此，过去在穿戴他的服装前，演员必须斋戒、沐浴、祭拜龙刀，还要在发髻中放一个老爷码儿，以示人神有别。又如：伶界偏把一件绣满各色补丁的褶子称为“富贵衣”，且极为珍视。因为，它专用于表现书生的暂时落魄、日后腾达，也有保佑戏班蒸蒸日上的寓意。有时候，戏曲的装扮与舞台形象并无直接关联，却不得不服从于观众通常的审美习惯。其中，白色的戏服尤其不能乱穿：“白布孝袍乃写实丧服也。故戏班中规矩，演员穿此须另给一笔款，名曰黑钱，然堂会中亦不许穿。总之白褶子一物，贫寒小户人家万不许穿，不正在丧期中更不许穿。如今竟有人穿，除了‘外行’二字外，无法批评他”（齐如山：《五十年来的国剧》）。这些约定俗成的行规都是观演互动的产物，它进一步凸显了戏曲通俗、大众的美学特征。

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京剧，大鹏衣，陈申收藏
然而，戏曲服饰也不都是大红大绿、土味十足。有些行头素雅、精致的程度不亚于高级工艺品。明清以降，宫廷演剧十分兴盛，官宦蓄养家班也蔚然成风。皇家贵胄、文人雅士的扶持和参与，使原本俚俗的剧艺逐渐呈现另一种风格。今天，故宫所收藏的戏衣就有八千余件。其类别、式样虽与民间相仿，制作的材料和工艺却有天壤之别。云锦、漳缎等名贵织物被大量使用，美玉、宝石、珍珠、螺钿也镶嵌其中。一件猴靠（孙悟空专用）在杏黄色的绸缎上，还用豹皮拼出兽面的图案。在这些戏衣上，缂丝和刺绣不仅细密精妙、花样雅致，还考究晕色和构图，从而构成一种绚烂奢华却又和谐统一的舞台风格。
此外，由于得到知识阶层的辅佐，艺人的文化修养明显提升。求教于吴昌硕、齐白石等艺坛巨匠，更让部分名角精通于笔墨丹青。伶界与文人合作，戏曲和书画融通，进一步推动了舞台装扮的雅化。尤其在京昆的服饰上，色调淡雅、构图简洁、搭配和谐的追求日渐突显。不仅岁寒三友、兰草秋菊、“一笔虎”书法等符合文人志趣的图案增多，湖蓝、青灰、豆沙等并不夺目的配色也频频出现。为了寻觅奇异且协调的色彩搭配，梅兰芳常年坚持作画和培育牵牛花。他在《舞台生活四十年》中写道：“演员没有审美的观念，就会在穿戴上犯色彩不调和的毛病，因此也会影响剧中人物的性格，连带着损坏了舞台上的气氛。我借着养花和绘画来培养我这一方面的常识，无形中确有了收获” 。通过观摩古代的仕女画，戏曲演员还发明了古装头、留香髻等新式装扮。在塑造嫦娥、黛玉等人物时，梅兰芳所戴的头面很少，反倒别致、素雅。这种以画入戏、因人而异的装扮既提升了舞台呈现的格调，也能为个性化的表演提供帮助。

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故宫博物院藏清杏黄色缎猴靠
【以形写心】
只有在配合表演、服务人物、烘托情境时，行头的价值才真正显现。戏曲并非单纯炫技的杂耍，更呈现高远的艺术境界。戏曲服饰在塑形摹状、配合演技之余，更重要的作用在于抒情和写心
由于戏曲服饰的种类繁多、穿戴讲究，过去在梨园“七科”中，就有剧装、容装、盔箱三科专事于此。然而，这些从业者的行业地位并不高，常被视为“跟包”，近乎于伺候演员的随从。这说明戏服、头面即便用料考究、制作精细，却终究只是静态的物件。它并非戏曲核心的艺术元素，也不是观众主要欣赏的对象。只有在配合表演、服务人物、烘托情境时，行头的价值才真正显现。实际上，戏曲很多独到的表演必须借助服饰的协助。例如：台步是突显角色性别特征的重要程式。为了放大男女的不同体态美，生、旦行走的落脚和发力点迥然有别。但这最基本的技巧也必须倚仗鞋子的形状和质地。如果让青衣穿高靴，杰出的艺术家也会寸步难行。为了表现古代妇女三寸金莲的步伐，艺人还发明出一种特殊的跷鞋，借此呈现中国的脚尖舞蹈。有些梨园功夫甚至直接以服饰来命名：翎子功、帽翅功、水袖功、靠旗出手、踢大带、甩盔等。可见，戏装主要呈现的并不是静态的美，而是演员彰显动态美的基础和工具。